En el mundo de los reductores de ruido, existen numerosas opciones. Ya en su día hice una comparativa con los que en aquel momento había disponibles, y de todos me quedé con “Neat Video“, para mí el mejor con diferencia de cuantos he probado.

Sin embargo desde hace poco existe un nuevo contendiente, Dark Matters. Es un “viejo conocido”, pues su Software de eliminación de ruido lleva bastante tiempo en el mercado, pero es una solución Software (no es un plugin de terceros) y hasta ahora era carísimo (el coste de la licencia empieza en 13.000$, que se dice poco).

Decimos hasta ahora porque el “core” de ese Software se ha reconvertido en un plugin para After Effects, cuyo coste ha bajado considerablemente hasta los 399$. En su página WEB podemos descargarnos un “trial”, que es con el que hemos trabajado y hemos visto su funcionamiento.

En su WEB podemos descargar además diversos TIFF de diverso material procedente de film de 16mm, GoPro, DSLR y RED, desde luego un variopinto material sobre el que ver imágenes originales y procesadas. Además de videos comparativos.

Sin embargo, lo mejor es probar uno mismo con material propio. Al fín y al cabo, es el mejor testeo que uno puede hacer, lejos de las demos y ejemplos, que siempre tienden a ser excelentes “no se muy bien porqué”

Así, usando un clip de video procedente de la Canon 550D que reune una serie de características típicas, se han realizado las dos reducciones de ruido. Este es el FRAME ORIGINAL (podéis descargarlo a 1920×1080:

De hecho, para poder comparar las tres imágenes, DEBEIS descargarlo. La imagen que aparece aquí es pequeña (escalada, pero con la resolución original si la guardais), y no se aprecian los detalles.

Si se analiza detenidamente, vemos que tiene un ruido bastante feo, además amplificado en el rojo, que es donde más se nota. La imagen además está un pelín fuera de foco, y tiene motion blur debido al movimiento de la cámara en la pequeña secuencia. Situaciones ideales para que el ruido cante más de lo debido.

Además, esta secuencia es particularmente interesante ya que debido al pobre sampling 4:2:0 de la Canon, se aprecia claramente en los bordes y en algunos detalles. Es así, una imagen ideal para nuestro propósito…

COMPARATIVA DE FUNCIONES

Antes de meternos en el meollo, está bien saber exactamente qué ofrece cada una de las soluciones, sus pros y sus contras “sobre el papel”.

Por un lado, tenemos el precio. Neat Video tiene un coste de 99$ (84.90€) en la versión PRO (que es la buena), mientras que Dark Matters tiene un coste de 399$. Pues ya de momento, Neat Video cuesta más barato.

Por otro lado, la plataforma. Neat Video tiene versión para Premiere Pro, After Effects, Edius, Final Cut Pro, Final Cut X, OpenFX, VirtualDub y Pinnacle Studio. Dark Matters sólo para After Effects, y sólo para Windows, no para MAC. Ejem…

En cuanto a la resolución, Neat Video (PRO), no tiene un máximo…cualquier resolución que usemos, esa cojerá. Dark Matters soporta hasta 2048×2048 pixeles. Bueno…vale…

La eficiencia es clave aquí. Ambas soluciones hacen uso tanto de Multiprocesador como de CUDA, con lo que los resultados deberían ser parejos en cuanto a tiempos.

Sin embargo, nada de lo anterior es más importante que los resultados finales. Es lo que al final importa, que el ruido se elimine y podamos usar esa secuencia que a priori quedaría descartada.

MANO A MANO

Aquí vamos a hacer un pequeño inciso, antes de ponernos a la faena. Reducir ruido es manipular la imagen, a veces de forma bastante salvaje. Que nadie piense que eliminar ruido de una secuencia es como si esa secuencia de repente quedase como si estuviese grabada en óptimas condiciones. Los resultados son MUY BUENOS, sí, pero tenemos que tener en cuenta que al eliminar el ruido también destapamos otras cosas, dando a veces un aspecto plasticoso y con poco detalle.

Es por ello que una vez reducido el ruido, lo ideal es re-aplicar ruido nuevamente, esta vez de una forma más orgánica. Aún usando valores muy leves, lograremos resultados más espectaculares. Esto, obviamente, no vale siempre. A veces simplemente queremos una imagen muy limpia. Sin embargo, hay que tener en cuenta el hecho. No nos pensemos que estas soluciones hacen milagros, aunque a veces casi casi…

El Flujo de trabajo sería: IMAGEN ORIGINAL -> DENOISE -> GRADING/FX/ETC ->RENOISE -> FINAL

Una vez aclarado esto, veamos un poco por encima las opciones que nos ofrecen las dos soluciones.

En ambos casos hay parámetros y formas de actuación comunes. Ambas soluciones funcionan con un perfil a analizar.

En el caso de Neat Video, este perfil podemos ir acumulando, seleccionando diferentes fotogramas y patrones de ruido, en base al primero. Esto hace que cada vez vayamos refinando más la escena. En la mayoría de los casos, con un primer perfil vale, pero hay casos muy específicos donde usar varias mediciones. Estas mediciones otorgan un porcentaje de “calidad”, que definirá las posibilidades de eliminar el ruido en la fase de ajuste. Estos perfiles se pueden guardar y reutilizar.

En el caso de Dark Matters, su funcionamiento es similar, sólo que en vez de un perfil, se usan tres, uno para cada componente de color RGB. El plugin te pide que la imagen a analizar NO SEA la primera. Al igual que Neat Video, este perfil se puede guardar y reutilizar. No aparece nada sobre la posibilidad de diferentes mediciones. Estos tres sub-perfiles de color, junto a la combinación de After de ver los canales por separado, hará posible identificar el mejor patrón de ruido para componente de color. Una buena idea, desde luego.

En cuanto a opciones, en ambos casos tenemos un modo sencillo y otro avanzado. La diferencia entre ambos, en los dos casos, consiste en la posibilidad de trabajar sobre cada canal por separado y refinar los resultados.

Ambos plugins disponen tanto de ajustes ESPACIALES y TEMPORALES. ¿Qué significa esto?. Pues es sencillo. Los ajustes ESPACIALES actúan sobre la propia imagen. Cada imagen es tratada de forma independiente y estos ajustes son los más importantes en el sentido de que definen el grado de ajuste sobre la medición del perfil de ruido. Los ajustes TEMPORALES van acumulando las mediciones sobre imágenes anteriores y/o posteriores para acumularlas sobre cada frame. Esto redunda en una más profundidad de reducción de ruido y mejor calidad A COSTA de mayor tiempo de proceso.

Por último, ambos plugins tienen la posibilidad de aplicar nitidez a la imagen procesada. Tenemos que tener en cuenta que al eliminar el ruido, la imagen resultante puede quedar algo borrosa, de ahí que se acentúen los bordes y la nitidez en general. Es algo optativo, no obstante.

Como se puede observar, los dos ofrecen prácticamente las mismas opciones. Existen, no obstante, diferencias:

En el caso de Neat Video, tenemos la posibilidad de ver los canales H,L,S. Es una aproximación similar al RGB de Dark Matters. Además, tenemos una opción especial para eliminar los bloques de ruido más grandes (resultado de grandes frecuencias de color, mayormente).

En el caso de Dark Matters, tenemos diferentes modos de actuación si el material a tratar está en LOG o LINEAL.

Con todos estos datos sobre la mesa, vamos a realizar una reducción de ruido sobre nuestra escena base. En ambos casos hemos usado las opciones por defecto, tratando de igualar los procesos, aún sabiendo lo complicado que es teniendo en cuenta que son dos Softwares diferentes. En el caso de Neat Video hemos usado un perfil automático que nos ha dado un 70% de calidad, y en el caso de Dark Matters hemos buscado en cada perfil de color lo más parecido a los colores que él podría usar.

Los resultados:

NEAT VIDEO

DARK MATTERS

Insistimos: Hay que descargar ambas imágenes y verlas junto con la original, pasando de una a otra para poder apreciar las diferencias.

Obviamente, al ser una demo, Dark Matters nos aplica una marca de agua. Sin embargo, las diferencias son bastante apreciables. Pese a que la reducción de ruido en AMBOS plugins es excelente, en Dark Matters se aprecian restos de tramas de ruido, que Neat Video elimina por completo.

Además, los pequeños detalles son más respetados en Neat Video que en Dark Matters, que enguarrona más la imagen.

Por último, un detalle interesante es que Neat Video reconstruye el sampling, que Dark Matters no logra hacer, notándose sobre todo en el circulo rojo oscuro a la derecha de la imagen (al lado de la pata del muñeco).

Estamos seguros que afinando mejor los controles, lograríamos prácticamente un empate, pero pequeños detalles hacen que Neat Video salga mejor valorado. Ambos Softwares estan hoy por hoy en el TOP de la reducción de ruido, pero en esta comparativa, sale mejor parado Neat Video, y globalmente, por precio y por plataformas soportadas, sale mejor parado Neat Video.

Un PLUS que tiene Dark Matters es que se acompaña de un segundo Plugin que aplica RUIDO sobre la imagen, para así contrarestar el que hemos quitado. Aún así, creemos que no justifica su precio…

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Sin duda 2013 supone el pistoletazo de salida del denominado “4K“. En este artículo-opinión vamos a desgranar las novedades más importantes que circulan sobre el “mundo 4K”, para así estar preparados para lo que nos viene, que sin duda será grande, muy grande.

¿QUE ES EL “4K”?

El vocablo 4K hace mención a la resolución 4K, la cual es, para simplificar, el doble de ancha y de alta que la resolución FullHD (1920×1080) o también “2K”, con CUATRO veces más información visual. Si pusiesemos una imagen explicativa sobre el formato, sería esta:

A nivel de resolución, equivaldría a aproximadamente a 3996 × 2160 pixeles, de ahí que también se le denomine 2160p por las líneas horizontales, al igual que al FullHD se le denomina 1080p. Existen más resoluciones dentro del formato 4K (y del 2K), pero esa es la que se aplica a cine digital en formato “Flat”. Es tan sencillo como multiplicar 1998×1080 por dos…

Como este artículo va más orientado a la opinión que a explicar técnicamente el formato (hay cosas que rascar), generalizaremos de esta forma…

SENTANDO LAS BASES

Ciertamente pudiera parecer que el “4K” es una moda loca que ha llegado de repente, cuando en realidad lleva con nosotros un tiempo. El problema es que tal resolución no era fácil de manipular. Por ejemplo, los negativos de 35mm se suelen escanear a resolución 4K o superior, para así luego eliminar impurezas (suciedad, pelos, etc), re-etalonar (ajustar el color de la imagen) y generar un master en 4K del cual luego se finaliza en 2K. Eso en los casos más extremos, pues generalmente el archivo suele ser en 2K, lo cual puede que sea una mala idea, pues hay películas que se han vuelto a re-escanear y el coste a veces no es ya prohibitivo, sino que ese negativo de 35mm estaba más deteriorado…

Claro, estamos hablando del cine analogico, sin embargo el cine digital, pese a su concepción y naturaleza, no ha llegado a las resoluciones 4K hasta hace relativamente pocos años. Las primeras cámaras digitales eran bastante pobres a nivel de resolución, hablamos de resolución SD (720×576 en PAL), que posteriormente se inflaba a 35mm. Con la llegada de las primeras unidades de HD la cosa empezó a mejorar bastante, y digamos que el mundo del cine abrazó la nueva tecnología con una gran algarabía.

Sin embargo, a niveles más terrenales, seguíamos en el “mundo SD”, aún realizando producciones profesionales que podrían rivalizar con el cine. Pese a haber cámaras en HD, todo el mundo audiovisual aún trabajaba con medios analógicos, el rey era el Betacam y empezaban a salir los primeros aventureros que descubrían el formato DVCAM, aquello era toda una revolución!. Y sin embargo, seguíamos con la rémora analógica.

No es fácil para una productora el cambiar de repente de tecnología, sobre todo cuando estás en el mundo analógico y pasas al digital. A nivel casero el esfuerzo puede ser menor, pero os podéis imaginar que las primeras estaciones Quantel Newsbox y Editbox costaban hace unos 15 años, cerca de 20 millones de las antiguas pesetas. ¡Y eso sin contar magnetoscopios y materiales accesorios!. ¡Y trabajando en SD!.

Así, la reticencia al digital (y más a la Alta Definición) ha sido la norma entre las grandes empresas dedicadas a la edición, las cadenas de televisión, agencias de publicidad, etc…

Es en 2001 cuando la HD empezaba a irrumpir cada vez más fuerte dentro del mundo de la edición y captación. Pero a nivel de exhibición el SD continuaba siendo el rey de la fiesta. Aún hoy sigue teniendo un importante trozo de pastel, en gran medida ralentizado por las Televisiones, monstruos enormes que no pueden cambiar de la noche a la mañana sus sistemas y que obligan al resto a pasar por su canuto.

Afortunadamente, la llegada de la TDT y la posterior reconversión de las cadenas han hecho que cada vez hayan más contenidos disponibles en HD. Eso sin mencionar el Bluray, que navega entre aguas al tener que luchar contra un parque enorme de reproductores DVD y los modernos Media Players basados en archivos digitales.

Así con todo, parecía que esos experimentos de los Japoneses con eso de UHDTV (Ultra Alta Definición o 4K) quedaban muy lejos…

PERO, ¿POR QUÉ LA GENTE SE HA VUELTO LOCA DE REPENTE?

Con la llegada de la cámara RED ONE, se abrió un enorme mundo, que al principio no pudo ser explotado. La cámara ciertamente grababa en 4K, pero el procesado y la edición de los ficheros era muy pesado para los equipos de la época y sólo grandes equipos (y muy caros) podían editar “más o menos”. La inmensa mayoría editaba en 2K. Mayormente porque el incipiente Cine Digital, pese a permitir la resolución 4K, a nivel de proyección era en 2K.

Con el paso de los años, y en muy poco tiempo, el panorama ha dado un vuelco enorme. Los ordenadores cada vez más potentes (y más económicos), los sistemas de edición cada vez más eficientes, y la llegada del floreciente mundo HDSLR hizo impulsar un nicho de mercado emergente hasta cotas que nadie podría preveer. Pero así ha sido.

En el mundo más High-End, las cámaras de Cine Digital se enfrascaban en una lucha por ofrecer el “más todavía”. Sin embargo, no nos engañemos, los equipos eran todavía caros.

Y llega Black Magic un día como hoy (8 de Abril de 2013 en el momento de escribir este artículo), y presenta una cámara 4K por 3999$ que pone a disposición de “casi cualquiera” las herramientas de las hermanas mayores. Claro, la cara de tonto que se te queda es para hacer foto y enmarcar en Instagram.

No se sabe lo que provocará Black Magic con su puñetazo en la mesa. O bueno, algo sí se puede intuir. Pero desde luego, esto SI es un verdadero “Game Changer” y no lo que nos contaban hace pocos días sobre un dispositivo “milagroso”…esto es toda una declaración de intenciones.

…Y SIN EMBARGO…

…Sin embargo tenemos ante nosotros un extraño panorama. Sí, porque con la irrupción del HD a nivel masivo tenemos reproductores y displays que nos permiten disfrutar de esa calidad. Pero el 4K es otra historia muy diferente. No tenemos monitores, no tenemos televisores/proyectores, no tenemos reproductores hardware…¡Bueno, sí que los tenemos!. Pero a PRECIOS PROHIBITIVOS.

Porque claro, está muy bien eso de grabar en 4K y editar en 4K a precios realmente rompedores, pero para poder editar o siquiera visualizar el resultado en 4K, necesitamos COMO MINIMO un monitor 4K si queremos ver la verdadera resolución. ¡Y eso tiene un coste mucho más alto que la cámara y el ordenador juntos!. Plantearse un televisor o un proyector 4K significa llegar a cifras de 20.000€. Y reproductores…¡¡¡NO HAY!!!. Tendrías que enganchar el portatil o el ordenador a la correspondiente entrada HDMI (que además tiene que ser 1.4 para que sea compatible 4K) y rezar para que aquello vaya fluido…

NO DESESPEREMOS

Exacto, ¡nos nos estiremos de los pelos todavía!. Como hemos escrito al principio de este laaargo artículo, estamos en el año de la EXPLOSIÓN del 4K. Eso significa que saldrán productos a precios más contenidos (todavía caretes, qué duda cabe), pero es un principio!. Ya hay anunciado por parte de Sony un Televisor 4K de 55″ a unos razonables 5000€ (pensemos que el recientemente comercializado de 84″ costaba 24.000€) y un par de reproductores 4K (por parte de RED y de Sony, y los que vendrán).

Además, recordemos que el nuevo codec H.265 sienta las bases para ser el sucesor natural del H.264 y soporta 4K de forma nativa (en h.264 se puede generar 4K pero no está optimizado para esos streams).

Así, teniendo en cuenta que estamos ante el paradigma de una nueva situación que más pronto que tarde nos envolverá, tendremos que estar preparados para ello.

MIENTRAS TANTO…

Mientras esperamos que los nuevos dispositivos 4K acaben por asentarse y ponerse a precios realmente interesantes (y salvo que tengas mucho dinero), tenemos varias opciones cuando queremos manejar esos videos en 4K.

¿Quién en su sano juicio editaría en 4K teniendo en cuenta que prácticamente nadie podrá ver tan tremenda resolución?. Bueno, una de las mejores cosas que puedes hacer es realizar la edición y masterizado directamente en 4K. No vas a ser el único friki del planeta en hacerlo, existe una clara corriente de gente generando proyectos en 4K y es una forma de tener preparado tu material para cuando la gente disponga de la tecnología para poder ver tus montajes. ¡Serás todo un pionero!.

Otra opción, que es la que más se está usando actualmente, es para poder generar un 1080P con un detalle máximo, exprimiendo así el formato a la máxima calidad. Al escalar un fotograma 4K a 2K estamos reduciendo calidad, sí, pero a la vez estamos “comprimiendo” los pixeles a la mínima expresión. Hacer una simple prueba de una FOTO a 4K y el correspondiente fotograma de un video a 1080P, vais a ver que ese 4K escalado a 1080P tiene más detalle.

Aparte, están otras cuestiones interesantes. El tener un 4K sobre un “tapiz” 1080P hace que podamos realizar recortes al 100% del 4K y tengamos una calidad soberbia. Zooms digitales sin pérdidas de calidad

Otra de las importantes bondades de disponer de una mayor imagen es el hecho de estabilizar la imagen. Al realizar una estabilización digital, se pierde calidad. Al realizarla sobre una imagen en 4K, no perdemos nada, pues al escalar luego a 1080P/2K, seguimos teniendo resolución de sobra.

No olvidemos que además, los Timelapses que sacamos con nuestras cámaras de fotos tienen incluso MAS resolución que la de una cámara 4K. Ya de base estamos trabajando en 4K, sin saberlo

Así, ¡Bienvenido el 4K!. Y no os preocupeis, los Japoneses ya están jugando con lo próximo: “Super Hi Vision” u 8K

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En este tutorial vamos a ver las diferentes opciones que tenemos a la hora de preparar material para ser visionado en salas de cine, y no cometer errores que podrían dar al traste con la experiencia en la sala.

Una de las dudas que más nos plantean diversos clientes es la relación de aspecto de las imágenes que serán proyectadas en la pantalla. Aunque tenemos en esencia dos formatos tanto de imagen como de proyección, existen variantes que podrían dificultarnos un poco las cosas. Aquí trataremos de dar un poco “luz” en este aspecto. En realidad son conceptos sencillos, pero que se complican cuando no sabemos cómo implementarlos.

Aclarar que aquí se habla de proyección DIGITAL (DCP), por lo que la proyección en 35mm no tiene cabida en este artículo, aunque comparta las mismas bases

FORMATOS DE IMAGEN/PANTALLA

En esencia tenemos DOS relaciones de aspecto (aspect ratio) tanto en proyección como en las imágenes generadas, que son FLAT y SCOPE.

FLAT se denomina también 1:85:1 / 16:9 o “panorámico”, y tiene un tamaño de imagen de 1998×1080 con pixel aspect ratio 1.0:

SCOPE se denomina también 2:39:1 o “cinemascope” y tiene un tamaño de imagen de 2048×858 con pixel aspect ratio 1.0:

Como se puede observar, las diferencias entre los dos formatos es que Scope es bastante más ancho (o más estrecho).

Por otro lado, los cines suelen montar dos tipos de pantallas en las salas, que suelen corresponder con estas dos medidas. La lógica nos dice que si proyectamos una imagen FLAT sobre una pantalla FLAT, el resultado de la misma ocupará TODA la pantalla, así como sucede con el formato SCOPE.

Pero sucede que no siempre estos formatos se respetan, pues se suelen mezclar los dos formatos sobre los dos tamaños de pantalla. Así, tendríamos los formatos “letterboxed” o “encajados” en los formatos.

Así, al proyectar una imagen FLAT (16:9) sobre una pantalla SCOPE (2:39), el resultado es el siguiente:

Y cuando lo hacemos al revés (imagen SCOPE en pantalla FLAT), lo siguiente:

De los dos formatos, el que mayor “impacto” tiene es el primero, pues se pierde el efecto “inmersivo” sobre todo en las butacas situadas en los laterales. En cualquier caso, este tipo de formatos “letterboxed” son creados por el proyector, que encaja las imágenes mediante una serie de “macros” asociada a cada formato.

Insistir que en las imágenes que vemos en estas dos “simulaciones” el color negro sería la PANTALLA. El formato original de las dos imágenes es el visto arriba del todo.

Sin embargo, existe un tercer formato que es el peor de todos, que consiste en crear una imagen FLAT con bandas negras SCOPE y proyectarlo sobre una pantalla SCOPE. El resultado en la pantalla de cine es este:

El resultado es un DESASTRE, porque el tamaño de proyección disminuye considerablemente. Esto suele ser común verlo en proyecciones donde se combinan los dos formatos y que por no pasar de uno a otro formato (pueden llegar a pasar 20 segundos sin que se proyecte imagen alguna), se decide codificar el DCP directamente con las bandas incrustadas. Es decir, tal y como se hacen con los Bluray o DVD, que llevan incorporadas esas bandas porque sólo existe un único formato, 16:9 (panorámico) aunque existan diferentes resoluciones (el aspect ratio es el mismo en todos).

Así, a la hora de preparar las imágenes para ser proyectadas en cine, éstas NUNCA deben tener bandas negras, ni laterales ni arriba/abajo. La imagen va siempre “a sangre” en las dos resoluciones mencionadas arriba del todo.

Personalmente, siempre es preferible el formato Scope, pues en pantallas Scope se podrá ver en toda su dimensión, y en pantallas Flat ocupará todo el ancho posible de forma horizontal, aprovechando al menos el ancho.

Espero que es que pequeño tutorial de una idea de los dos formatos existentes y sus combinaciones positivas y negativas…

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¡TENEMOS WEB DEFINITIVA!

WWW.TIMELAPSESHOWFEST.COM

A partir de ahora TODA la información sobre el Timelapse Showfest estará organizada en una WEB donde estar informado sobre las últimas novedades del evento, ediciones pasadas, etc.

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El día 14 de Junio tuvimos la oportunidad de ver una proyección de cortos realizados con la cámara de Cine Digital Sony “CineAlta” F65. Esta cámara de 8K de resolución nativa (4K real) y con unas especificaciones técnicas increibles fué presentada en la Sala Berlanga (Madrid) junto con una proyección en 4K nativa, en la que se pudo ver el poderío de la misma. Este es un resumen de nuestra visita así como nuestras consideraciones sobre la experiencia…

Primer Contacto

El primer contacto con la Sony F65 fué nada más registrarnos al evento, a la entrada de la Sala Berlanga. En el Hall del cine tenían dos F65 (cedidas por “Ovide” y “VM Broadcast”) equipadas con todos los accesorios habituales. La primera impresión es que la cámara en sí es “grandecita”. Entrecomillo “grandecita” pues frente a sus competidoras naturales (Alexa y Epic, mayormente) es más grande. Sobre todo más ancha, pero descubrimos que esto es así debido a que se usa un OBTURADOR MECÁNICO (como tienen las cámaras de cine de negativo de 35mm). La elección de dicho obturador se desveló posteriormente en la charla realizada por Philippe Ros…

En el Hall coincidimos con varios conocidos de la industria (son unos cuantos así que por temor a olvidarme nombres, prefiero no ponerlos, un saludo a todos), y estuvimos hablando sobre la apuesta de Sony en el más alto segmento del cine digital. Pudimos ver y tocar de cerca las cámaras, pudiendo observar las numerosas salidas, opciones, etc de que dispone. A priori no parece una cámara “complicada” de manejar (a nivel operativamente técnico).

Una de las primeras dudas era en cuanto al tema de un “rig 3d”. Está claro que con el ancho de la misma, dificulta el hecho de ponerlas de forma paralela, así que un Rig de espejo será necesario en caso de querer realizar 3D con ellas.

La siguiente foto está tomada por la gente de “Panorama Audiovisual“, que ha dado la casualidad que salímos tanto Nacho Benitez como un servidor (de espaldas):

Después de un rato de charla, pudimos acceder a la sala. Una vez allí, nos presentaron tanto a Philippe Ros como a Richard Lewis, los cuales pudieron comentar técnicamente aspectos de la misma. Así, nos contaron que la cámara usa un sensor de 8K con lo que luego se produce una imagen 4K en los tres componentes (según ellos, a diferencia de la competencia), ofreciendo una verdadera resolución 4K.

Dispone de dos modos de grabación en 4K (sin compresión y con una ligera compresión) y tres modos 2K (con diferentes compresiones). Con una latitud de 14 Stops y el sistema S-Log2 en RAW se obtiene un “negativo digital” cuya riqueza cromática está fuera de toda duda, pudiendo elegir en postpro el revelado que más nos guste. Todos estos datos requieren de un caudal y de un sistema de almacenamiento realmente potente, y así es. El uso de tarjetas de memoria de hasta 1TB a velocidades realmente altas (a 24FPS en RAW 4K el caudal es de 1.8 GIGABITS/SEC) hace que tengamos que usar varias de ellas diariamente.

La cámara es capaz además de grabar hasta 120FPS en 4K, lo cual denota la potencia de la cámara. En cuanto al obturador mecánico, se ha optado por implementarlo junto al electrónico (se pueden usar ambos, pues debajo de los 8FPS no puede actuar el obturador mecánico), para eliminar el Rolling Shutter típico de los sensores CMOS. De esta forma no tendremos que arreglar el defecto en postpro, reteniendo por lo tanto la máxima calidad.

Después de esta “lluvia de datos”, se dió paso a la proyección. En la sala elegimos ponernos en la segunda fila, para poder estar lo más cerca posible de la pantalla y apreciar la resolución 4K lo mejor posible.

La proyección en 4K

El Show comenzó con una proyección con la alegoría sobre el “pasado” y el “presente” del cine, usandose dos coches de lujo para cada uno y un niño (el usuario), que debía decantarse sobre cual coche (formato) le gustaba más. Curioso el empiece de la misma con un recorte 4:3 que nos asustó, pensando en que el “aspect ratio” estaba mal puesto, pero que luego se comprobó que no era así, pasando a “Scope” para luego llenar la pantalla en “Flat” (la Sala Berlanga tiene pantalla 1:85:1).

Durante el cortometraje se sucedían paisajes increibles, por donde los dos coches ofrecían su poderío y su glamour, para así justificar unas imágenes muy bellas llenas de colorido y detalle.

¿Todavía preguntais qué coche eligió el niño?

Después de esta primera proyección, en la que claramente se apreciaba la nitidez extra de los 4K (sobre todo en contornos y detalles finos), nos explicaron detalles técnicos sobre la misma. Por ejemplo el tema de la operatividad, debido a que el tiempo era bastante malo tenían que ir deprisa y al parecer la F65 en ese aspecto permite ser “rápido” rodando. Un detalle interesante es que Philippe Ros usó en todo momento la medición del fotómetro en contra del uso de monitor de forma de onda o similares ayudas, debido a las características de grabación de la F65, pues según Philippe, solo el fotómetro le daba la seguridad de la luz que incidía en cada momento.

Después de la explicación técnica, se realizó la proyección de dos cortometrajes más (o más bien “demos”), una japonesa y otra americana.

En la japonesa sobre todo se ponía énfasis en el hecho de poner cosas en movimiento rápido lateral, para demostrar el hecho de que el obturador mecánico hace bien su trabajo. Efectivamente, verticales rectas como un palo. Una imagen naturalista con mucho detalle y algunas imágenes realmente impactantes por su “cristalinidad” (palabro inventado).

En el caso del corto americano, el look era radicalmente diferente, con las vibrantes e intensas luces de neón de los casinos de Las Vegas, y esos desiertos increibles con esos tonos rojizos. De nuevo una nitidez increible, sobre todo en los bordes de los “objetos”. Observé un par de Timelapses, no se si producidos por aceleración de imagen o porque la cámara es capaz de realizarlos…Un detalle interesante es de un plano donde la protagonista, que viaja en un coche cromado a más no poder, sale del coche y en el espejo retrovisor (en la parte trasera), se ve reflejado el equipo que está grabando las imágenes. No se si lo hicieron adrede o se les “coló” el error (en los créditos aparecía gente de postpro y 3D), pero quedó simpático.

Una vez terminado este segundo bloque, de nuevo explicaron más datos sobre la F65 (resumidos arriba), y dieron paso a un último corto…doble. En este caso se trataba de un corto de una duración pequeña (dos minutos y medio), pero ofreciendo dos versiones. Una natural, y otra más creativa. Digamos que para demostrar las posibilidades de retoque de un RAW tan excelente como es capaz de ofrecer la F65.

Así, se dió paso al último bloque. Aquí sobre todo se incidía en el alto nivel de detalle obtenido con la resolución 4K (el escenario era un bosque con un campo de hierba alta y florecillas) y el “bokeh” producido por las diferentes ópticas usadas. La versión “creativa” usaba tonos más ocres y un mayor contraste (negros más pegados), aunque no daba una sensación “radical”, sino más bien un cambio de tono de color (o al menos yo no supe encontrar otra diferencia).

Tras la proyección de este tercer bloque terminó el “show” y tocó el turno de preguntas.

Así, se preguntaron los precios de la cámara y tarjetas de memoria. En el caso de la cámara, el paquete base (sin ópticas, con tarjeta de 256GB), es de 70.000€, cuyo precio está en consonancia frente a la competencia natural del segmento al que se dirige. En cuanto a las tarjetas, sí es cierto que tenían un precio bastante alto (3500€ por la de 256GB, en el modelo más rápido de transferencia), pero justificable por la robustez y velocidad a la que operan (recordemos que tienen que soportar un RAW de 16bit por canal en 4K a 120FPS).

Otra pregunta era sobre el “flujo de trabajo” de estos archivos. Philippe dijo que él siempre llevaba a su colorista a todos los lados, pues tratar con imágenes con tal definición necesita de un experto para poder sacar el máximo provecho. Asímismo recalcó el hecho de tener que ir de la mano de laboratorios grandes que puedan realizar proyección en gran pantalla, dado que al final el “target” final es el cine, a la hora de decidir los planos se debe realizar siempre bajo esas condiciones. Por otra parte, la versatilidad que quiere ofrecer Sony al permitir un SDK a cualquier desarrollador para que su sistema de ficheros sea ámpliamente soportado por cualquier Software. De hecho, los archivos generados por la F65 se pueden editar desde los Softwares más “pequeños” (Adobe Premiere, Final Cut) hasta los más avanzados (Baselight).

En otra pregunta se pidieron datos técnicos sobre los planos realizados por Philippe, dado que no aparecían en ningún sitio. Se confirmó el uso de ISO 800 con un nivel de ruido bajísimo, así como aperturas entre T1.3 y T2.0 para los planos con más apertura, y T4.0 para el resto, y lentes de 18, 35, 75 y 135mm, todo en master primes de Zeiss, mayoritariamente.

Nos quedabamos sin tiempo dentro de la sala, así que, con la cabeza llena de datos y la experiencia visual, tocaba debatir sobre lo visto con otros asistentes.

El debate final

Nacho Benitez y un servidor ya tuvimos en su día la oportunidad de ver algunas imágenes 4K en la Sala Berlanga, así que sabíamos a lo que nos “exponíamos”. Personalmente pienso que un tamaño de pantalla tan pequeño, no le hace justicia a una resolución tan grande. Pese a estar en la segunda fila, las ventajas del 4K quedan relegadas a un mayor nivel de detalle en los contornos y en determinados detalles finos, que incluso a esos niveles parecían querer más tamaño. De hecho el propio Phillip admitió que algunas de sus imágenes tenían la justificación de verse en una pantalla de 20 metros para poder redirigirnos hacía donde él quería. Y de hecho, admitía que SOLO una parte del aforo sería capaz de admirar la resolución, mientras que el resto se tenía que conformar con “una mejor colorimetría y un punch de la imagen extra”

Así, al preguntar a algunos asistentes sobre “qué les había parecido”, algunos se sorprendieron del pequeño tamaño de la pantalla, otros debido a que estaban atrás no notaban “nada fuera de lo normal, quizás una imágen más cristalina” y poco más.

Entonces, nos encontramos con un primer problema…para poder admirar este tipo de resoluciones, necesitamos un tamaño de pantalla acorde. ¿Porqué no decidieron hacer la prueba en otro cine que tuviese mayor tamaño de pantalla?. Lo ignoro pero lo intuyo. En cualquier caso creo que de todas todas no era el mejor sitio.

Un segundo problema es el hecho de mostrar una serie de cortos que eran un tanto insustanciales (mejor ni fijarse en la “historia”, sencillamente son demos), ¿para cuando una demo realmente cañera?. Además, el hecho de no mostrar datos técnicos, hace que a los que vamos a este tipo de presentaciones (que demandamos datos técnicos, lejos de si las imágenes son bonitas, que lo son) nos sintamos perdidos y no sabemos el ISO usado, para juzgar el ruido (visible en algunos planos de forma notoria, como si estuviesen forzados, pero impecable en general), y otros valores tan necesarios (sobre todo para no tener que andar preguntando luego y que contesten de forma apresurada (lógico por otra parte).

Y un tercer problema que le veo es que si vas a hacer una comparativa entre 4K y HD (o 2K), lo ideal es tener algún tipo de prueba estilo pantalla partida, o un mismo plano en 2K y luego en 4K…sobre todo para saber exactamente qué ofrece de más el 4K. Obviamente, cuatro veces más de detalle, pero, ¿en según que tamaño de pantalla cómo se comportará?. Creo necesario este tipo de testeo, pues es la mejor forma de demostrar que el camino lógico es ir hacia el 4K. Lo que quizás no dicen es que mayor resolución implica ser más detallista a la hora de preparar la escena (hasta los más pequeños defectos quedan resaltados), y luego el flujo de trabajo, que es verdaderamente pesado (cuatro veces más).

Así, entre pinchos riquísimos que nos deleitó Sony en la charla posterior, estuvimos debatiendo largamente sobre esto y sobre aquello. Una jornada de lo más interesante, y que nos enseña el camino hacia donde va dirigida la industria (o hacia donde quieren dirigirnos, jeje).

Otros compañeros han realizado sus crónicas, creo que es necesario leerlas pues aportan más información sobre el evento y de forma global creo que se hace uno la idea de lo que fué:

http://709mediaroom.com/presentacion-de-la-sony-f65-en-madrid/

http://www.facebook.com/groups/alumnosescuelascine/permalink/366937466693721/

http://www.panoramaaudiovisual.com/2012/06/14/sony-comparte-con-directores-de-foto-todas-las-posibilidades-de-la-nueva-f65/

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Hace un año, tuve una magnífica experiencia al visitar Islandia a través de un tour fotográfico. Durante esos seis días, además del video-diario que se pudo ir siguiendo en tiempo real cada día, estuve realizando Timelapses y grabaciones de video, para algún día realizar un montaje sobre ello. Y ese día ha llegado. Aquí teneis ICELAND.

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Voy a contar además la historia detrás de este montaje, y algunos detalles sobre el mismo, que siempre me gusta contar.

Durante prácticamente un año, apenas toqué la gran cantidad de material que traje. Hice un montaje especial con las Auroras, pues el plato fuerte del viaje era precisamente ese, pero me reservaba más material para realizar un montaje más elaborado.

Pasaron los meses, y a finales de Enero se puso en contacto conmigo un grupo musical llamado “The American Dollar“, interesados en cederme toda su música para realizar un video con algún montaje mío ya hecho, y aprovechar el tirón, pues en Abril se comercializa su nuevo Album.

Estuve dandole vueltas hasta que me acordé de ese material sacado de Islandia que estaba durmiendo en un rinconcito de mi disco duro, esperando su oportunidad. Y esta era una grande.

Pese a que había tiempo más que de sobra, la realidad es que había que tocar muchos planos, y algunos muy chulos se tenían que desechar porque eran inservibles y no había forma de arreglarlos. Regla número uno: Las prisas no son buenas cuando quieres grabar planos que luego quieras tocar . Y es que debido las frenéticas jornadas que teníamos en Islandia, grabar un plano de forma tranquila era bastante complicado.

Aún así, se salvaron los suficientes como para realizar algo mínimamente “pintón”. No obstante, muchos de ellos han tenido que ser estabilizados digitalmente. Además, el escalado a 2K y el recorte a Scope añade un poco más de dificultad. Todos los planos han sido retocados a nivel de color para sacarle el máximo provecho, lo que implica además reducir ruidos y macrobloques que salen cuando superas los límites.

Además, para complicar más todavía el asunto, se me ocurrió realizar una animación de inicio, y un par de ellas con la isla en 3D, más tiempo y más presión a la “cazuela”.

El montaje se realizó por vez primera sin sincronizar con la música, pues la idea es que el grupo decidiese que canciones querían poner. Generalmente mi flujo de trabajo es montar sobre una base, pero aquí la base era simplemente encadenar planos siguiendo un esquema cronológico, lo cual me limitó a la hora de poder sincronizar música y planos (que tanto me gusta). En cualquier caso, la elección de la música por parte del grupo ha hecho que coincidiese en varias partes, asique el objetivo está conseguido por esa parte.

El formato de edición se pensó para realizar un DCP que algún día se viese en cine (de forma privada, no creo que el montaje tenga suficiente calidad más que para verse en ordenador, sinceramente), y por ello decidí realizar el montaje en Scope y a 24FPS (todos los planos de video se grabaron a 24FPS precisamente para eso).

Espero que disfruteis esta pequeña pieza lo mismo que yo editandola y sobre todo disfrutando de los maravillosos paisajes que ofrece Islandia

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Sin duda, la técnica Timelapse ha explotado con la llegada del movimiento de la cámara. Con la llegada de los Sliders motorizados se lograba algo relegado a grandes estudios, que es el controlar la cámara de forma robotizada. También vimos que moviendonos de forma manual se lograban espectaculares travelling-timelapses. Pero nos quedaba una última frontera, que es la manipulación en 3D de un plano fijo. En este tutorial veremos cómo darle movimiento en 3D a nuestros timelapses.

INTRODUCCIÓN

La introducción del movimiento en los planos fijos de nuestros Timelapses ha supuesto toda una revolución. Desde el falso movimiento en 2D aprovechando la gran resolución de las fotos (paneos y zooms digitales), hasta los modernos sliders motorizados de hasta tres ejes, pasando por todo tipo de filigranas como el “huevocam” (modificar un reloj de cocina en forma de medio huevo para poner encima una Gopro y así realizar un Timelapse panorámico), o el travelling timelapse (consistente en mover la cámara un par de pasos y hacer la foto, de forma mecánica, para así recorrer decenas o centenares de metros en espectaculares movimientos de largo recorrido).

Sin embargo, aún quedan interesantes experimentos. Uno de ellos es el que vamos a desgranar en esta ocasión, explicando sus fundamentos, y ya que luego cada uno potencie y practique. Se trata de simular un espacio 3D en nuestros timelapses y movernos por él (con sus limitaciones) usando una técnica llamada “Camera Mapping“, del cual aquí teneis un ejemplo básico sobre el que luego trabajaremos:

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QUE ES EL CAMERA MAPPING

El Camera Mapping es una técnica que se suele usar en Softwares de animación 3D y también en After Effects (en el modo 3D), que consiste en mapear una imagen sobre un escenario 3D de tal forma que la foto “envuelve” ese escenario y nos permite realizar movimientos con la cámara en 3D.

Generalmente se usa una imagen fija, pues su finalidad es básicamente la de crear un “matte painting” que sirva de fondo para otros efectos o para realizar vuelos sobre escenarios. Está muy ligado a los efectos especiales.

Ejemplo de escena preparada para Camera Mapping

Pero…¿Que pasa si en vez de una imagen fija usamos un Timelapse?. Pués que podemos realizar algo bastante diferente e innovador, que aporte otro “punto de vista”.

No todos los planos son aptos para esta técnica. Generalmente funcionan bien los planos de paisajes con grandes angulares y que no tengan elementos en primer o segundo plano, de lo contrario tendremos que trabajar mucho en la escena para dar una verosimilitud.

Sin embargo, una gran ventaja de usar una escena 3D es que nos permitirá añadir elementos extra, como un texto en 3D, o porqué no, árboles o figuras que originalmente no estaban ahí. Usando técnicas avanzadas de iluminación podemos crear escenas donde la mezcla de lo real y lo virtual sea innovadora.

PREPARATIVOS

Para entender los fundamentos del Camera Mapping vamos a trabajar sobre una escena muy sencilla, que es la que habeis visto en el video de arriba. Originalmente ese Timelapse fué tomado desde un trípode y es un amanecer visto desde un sitio remoto. Se puede apreciar al fondo las “Cuatro Torres Bussiness Area” y la vista es bastante interesante:

No tenemos ningún elemento cercano que nos limite, asique tenemos un candidato ideal para poder jugar con él.

Vamos a usar 3DSMAX para insertar esta secuencia de imágenes en nuestro escenario 3D, que preparemos ex-profeso.

PREPARANDO LA ESCENA EN 3DSMAX

Bien, una vez tenemos 3DSMAX abierto, procederemos a crear una escena simple, que en nuestro caso será un plano recto con una doblez en 90º. Al fín y al cabo, la vista de este Timelapse es lo que nos sugiere. No existen otros elementos que requieran mayor complicación:

Como se puede intuir, la parte de abajo sería el suelo, y la doblez correspondería al fondo y el cielo.

A continuación pondremos una cámara en nuestra escena. Esta cámara tiene que coincidir con la original del Timelapse, es recomendable que sea así porque de lo contrario podríamos obtener inconsistencias visuales. La posición de la misma al principio debería ser la misma que en la foto, pues nuestra idea es la de hacer coincidir el horizonte con la doblez de nuestro plano en 3D:

Ahora es cuando procedemos a realizar el efecto de “Camera Mapping”. Este efecto nos permite “proyectar” nuestro timelapse desde la vista de nuestra cámara virtual, hacia la geometría 3D creada. Para eso, nos iremos al editor de materiales, donde crearemos un nuevo material Standard, y en el mapa “Difusse Color” elegimos “CAMERA MAP PER PIXEL”:

Las opciones de este mapa son pequeñas y entendibles…En el apartado “Camera” seleccionamos nuestra cámara, y en “Texture” nuestro Timelapse (en secuencia de imágenes).

Llegados a este punto conviene decir que este tutorial está destinado a personas que tienen un conocimiento PREVIO de 3DSMAX, así no profundizaremos en el tema de settings básicos de la escena.

Bien, la segunda parte de nuestro “mapeo de cámara” consiste en aplicar el modificador “Camera Map” a la escena (el plano doblado), y seleccionar la cámara que servirá como “proyector”:

El setup final de esta primera parte quedaría así:

Ahora ya tenemos nuestra escena lista para la segunda parte. Si movemos la cámara hacia adelante/atrás, o hacia los lados ¡podremos movernos por nuestro timelapse!

ANIMANDO LA CAMARA Y AÑADIENDO COSAS

Es hora de crear nuestra magia. Tenemos un escenario 3D al que hemos “proyectado” nuestro timelapse, con lo que se “mágicamente” se convierte en un escenario 3D por el que podemos desplazar la cámara. ¡Pero ojo!, según las caracteristicas de nuestro timelapse, tendremos limitaciones. En cualquier caso, el hecho de añadir un mínimo movimiento hacia delante le dará un plus extra. ¡Y sin tener slider motorizado!.

Asique una animación básica sería simplemente animar la cámara, bien acercandonos o bien alejandonos, cuidando de que no se deforme demasiado la textura y de que no se vea el “truco”. En este caso, con aplicar un material “autoiluminado” a la escena, bastaría. El resultado sería algo como el video que he presentado más arriba.

Sin embargo, estando en un escenario 3D, podemos realizar cosas interesantes. Por ejemplo, el terreno podemos deformarlo. Ya que en el timelapse original, aunque es plano, existen pequeñas protuberancias, el añadir digitalmente esas ondulaciones y con el movimiento de cámara daría como resultado una verosimilitud de la escena, como vemos en esta captura de pantalla:

En este punto, si añadimos objetos 3D que queden integrados en nuestro Timelapse “3D” sí que conviene realizar una iluminación más real, usando Iluminación Global (GI), incluso usando el propio timelapse como “emisor” de luz. Esto requiere usar un objeto matte para realizar la mezcla final (para la proyección de sombras y dar verosimilitud a la escena)

Y en nuestro caso, tenemos un amanecer. ¿Que tal añadir una luz animada que siga el movimiento del sol y que ilumine y de sombra animada a los objetos virtuales?. Este sería el resultado animado de una escena un pelín más elaborada:

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OTRAS PROPUESTAS

Existen numerosos “DEM” (modelo digital de elevación) que son geometrías reales de sitios de la tierra, en muchos casos gratuitas (http://www.viewfinderpanoramas.org/dem3.html), y usarlas como base de nuestro Timelapse. Una idea interesante es bajarse un modelo real de algún sitio (montañas preferiblemente), y localizar ese sitio con referencia al DEM, para luego realizar vuelos virtuales que de otra forma serían imposibles o costosísimos.

En Vimeo podemos encontrar ejemplos de Timelapses usandose con esta técnica, de forma bastante elaborada:

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Conviene recordar que esta técnica es AVANZADA, con lo que la fase de preparación y disparo del timelapse es vital. Además no todos los escenarios son idoneos para esta técnica.

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Startrails es un pequeño montaje con algunos Timelapses nocturnos y auroras boreales, procesados de una forma diferente. Primero ver el video, y después os cuento un poquito más acerca de la producción del mismo…

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La historia detrás de “Startrails” es sencilla…llevaba tiempo pensando en realizar algo diferente con las auroras boreales que pude capturar en Islandia, así como otros planos nocturnos con estrellas. Para el taller de “Timelapse” que realizé en el reciente FICCAD, enseñé el resultado de acumular esos timelapses usando un Software que permite realizar “startrails”, que no es más que el resultado de exponer durante varias horas las estrellas para lograr capturar las estelas de las partes más luminosas de una imagen.

Decidí entonces realizar un pequeño montaje animando esas secuencias, dado que el Software que usé lo permite, y el resultado es este pequeño montaje, cuyo objetivo no es más que relajar un poco el estres del día a día…

Detallar que el montaje está disponible tambien en formato DCP 2K para ser proyectado en salas digitales.

MAKING OF

Siempre me ha gustado contar cómo he hecho algunos de los montajes, y esta vez también quiero contar algunos detalles de la producción.

Como siempre, la herramienta de montaje ha sido Adobe Premiere, que me acompaña desde hace más de 15 años y es el sistema que uso habitualmente. Me siento muy cómodo con él y me ofrece todas las herramientas que necesito, que no son pocas…

En esta ocasión he realizado una nueva animación para la cabecera, descomponiendo el logo en partículas, las cuales han sido desenfocadas como si fuese una cámara real, y animando dicha descomposición al revés, se logra la ilusión de hacer el logo a partir de “estrellas” (esa era la intención inicial). Todo ello desde el propio Premiere, sin usar otras herramientas externas.

La cabecera da paso al título, bastante sencillo de realizar, pues se trata de un timelapse de estrellas con un “crop” animado, que da paso al primer “startrail” animado, que es ese mismo timelapse. La particularidad aquí es que el timelapse está reproducido al revés, y luego ralentizado al final con Twixtor.

A continuación vienen los “Startrails” propiamente dicho. Estos han sido realizados con un pequeño Software gratuito llamado StarStax, que no tiene mucho misterio en cuanto a su funcionamiento. Algunos de estos Startrails se han ralentizado con Twixtor, para que duren más tiempo, y cuadren con el “tempo” de la música, obra de Roger Subirana.

Es curioso ver el efecto de las Auroras Boreales con ésta técnica, pues dan la sensación de estar “pintando” el firmamento.

Espero que lo disfruteis, y lo compartais

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INTRO

Sin duda alguna, la pequeña GoPro está captando cada vez más adeptos. Para los que no saben de lo que hablamos, la GoPro es una pequeña cámara que tiene un tamaño reducido, una carcasa que la proteje del polvo, agua y barro (es sumergible hasta 50 metros), soporta resoluciones de hasta 1080p en modo video, realiza fotos, Timelapse, es totalmente automática, etc…

La gran baza de esta pequeña cámara son el completo set de accesorios, que la permiten colocar en los sitios más inverosímiles, y poder ver desde un punto de vista distinto, la acción que queramos grabar.

NO TODO ES BUENO

Sin embargo, la pequeña también tiene sus contras. Por ejemplo, debajo del agua la pequeña se queda “ciega”, debido al tipo de tapa que han puesto en la carcasa sumergible, que hace que no enfoque correctamende debido a la forma convexa de la misma. Esto es fácilmente solucionable sustituyendo la tapa original por otra recta, que nos permitirá grabar tanto fuera como dentro del agua con la misma nitidez y enfoque. Se puede comprar AQUI.

Imagen tomada desde debajo del agua con la lente "flat" para GoPro

Otro defecto (por así llamarlo) es que su sensor y codec no son precisamente lo mejor. En condiciones óptimas de luz trabaja muy bien, pero los 9Mbits que tiene como máximo hace que sufra determinados macrobloques. Eso y que el sensor mete ruido constantemente (aunque en las mejores condiciones apenas es visible), hace que las imágenes se tengan que tratar si queremos obtener la mejor calidad posible. En este caso, el uso de NEAT VIDEO (atentos a la última versión, la 3.0, que acelera hasta 4 veces el procesado) hace que eliminar el ruido y refinar el muestreo pobre de la cámara sea algo imprescindible si queremos obtener unas imágenes lo más perfectas posibles). Teneis un videotutorial en el Blog por si quereis profundizar.

Y por último, tenemos un tercer defecto, al que centraremos en esta ocasión nuestro artículo-tutorial, que consiste en la distorsión creada por la pequeña cámara. Y es que tenemos que tener en cuenta que ésta cámara se creó para que su pequeña lente pudiese cubrir el máximo ángulo posible de imagen. En el modo de video 720P llega casi hasta los 180º, limitado a unos 140º en el caso de 1080p (R5), debido al formato 16:9.

Dicha distorsión es muy común en los objetivos llamados “ojo de pez”, y que también podemos observar en la mirilla de la puerta de nuestra casa, que usa un cristal similar para poder abarcar todo el campo posible de visión. Algunos objetivos de gama alta están “rectificados” y lo que obtenemos es una imagen de ultra gran angular, pero no es lo usual, y menos aún en este caso.

Captura de un fotograma de GoPro donde se aprecia la distorsión

Existe un procedimiento en el cual se puede sustituir el objetivo original de la GoPro por otro que obtiene imágenes rectas, pero se pierde angular, y por supuesto, la capacidad de sellado, pues no se puede usar la carcasa. Además de ser una operación delicada.

¿Qué nos queda entonces?. Pues rectificar las imágenes. Para los que conozcan éste blog, en el pasado ya se publicó un artículo sobre la rectificación de imágenes de este estilo. Sin embargo dicha técnica ha quedado en desuso y actualmente en Timelapses.es usamos otras técnicas mucho más sencillas y con las que obtenemos imágenes increibles rectificadas.

Esta técnica es la que vamos a ADAPTAR para su uso con los vídeos y las fotos tomadas con la GoPro, que ADEMAS nos servirá para otro tipo de material que tengamos de este estilo.

INGREDIENTES NECESARIOS

Para nuestra receta necesitamos varios “ingredientes”:

1. Una Go-Pro. Aunque también nos puede valer cualquier otro objetivo “ojo de pez” que distorsione las imágenes
2. Photoshop. Será el Software base que usaremos
3. FishEye-Hemi. El plugin que usaremos para rectificar las imágenes

PROCEDIMIENTO

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Tenemos el inmenso placer de anunciar el taller sobre la técnica Timelapse que impartiremos el Domingo día 2 de Octubre de 2011, a partir de las 16:00, para la segunda edición del Festival Internacional de Cine Científico y Ambiental de Doñana (FICCAD).

En dicho taller se impartirá una clase teórica sobre la técnica Timelapse y el flujo de trabajo una vez tomadas las fotografías, viendo ejemplos creados tanto por nosotros como por otras personas, para explicar cómo se hicieron.

Además, contaremos con la presentación en EXCLUSIVA del nuevo Xlidercam-M (Motorizado programable) de Kietacam, el cual está indicado no solo para la técnica Timelapse, sino también para video, ofreciendo una versatilidad fuera de toda duda.

Posteriormente a la charla teórica, realizaremos una salida a los alrededores de Doñana, en un marco incomparable donde probaremos a fondo las capacidades del Xlidercam-M. El resultado de esos Timelapses serán editados posteriormente a la vuelta, y próximamente enseñaremos un montaje con las secuencias capturadas y el funcionamiento del Xlidercam-M.

Para más información acerca del FICCAD, de las actividades que se realizarán y las proyecciones de los cortometrajes y largometrajes, aconsejamos visitar la siguiente WEB:

www.asecic.org

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